C'est un blog dédié à l'exploration et à l'appréciation de l'art sous toutes ses formes.
Que vous soyez un passionné d'art, un étudiant, un collectionneur, ou simplement curieux, ce blog vous invite à découvrir des artistes émergents, des mouvements historiques et des techniques innovantes.
Thèmes Abordés : Portraits d'Artistes, critiques d'Expositions, tendances et actualités.
Rejoignez-moi dans cette aventure artistique et partageons ensemble notre passion pour l'art !
.Violons, guitares, mandolines, partitions: les tableaux de Braque font souvent référence à la musique. Rien de surprenant lorsque l'on sait que le peintre aime la musique presque autant que ses pinceaux. Mélomane averti, il joue du violon - qu'il a appris auprès de Gaston Dufy, le frère du peintre du même nom -, de la flûte ou encore de l'accordéon.
Alors que beaucoup de bagnards étaient rayés blanc et noir, Armand s'étonne que le dessinateur de Lucky Luke ait représenté ses personnages Joe, William, Jack et Averell en noir et jaune. C'est Jul, l'auteur de "Silex and the city", mais aussi d'albums du célèbre cow-boy qui lui répond.
Connue et appréciée dans le monde entier, la Cène de Léonard de Vinci est devenue une véritable icône artistique. Ce grand classique de l'histoire de l'art de la Renaissance a également été réinterprété par de nombreux artistes contemporains. Parmi eux, l'artiste japonaise Tomoko Nagao a voulu rendre hommage à l'œuvre italienne en créant sa version dans le style Micropop et Superflat.
La fresque à l'huile conservée dans le réfectoire des Bénédictins de Santa Maria delle Grazie à Milan est interprétée dans une tonalité Pop et contemporaine par Tomoko Nagao. L'œuvre La Cène représente Jésus et tous les apôtres en train de manger un repas McDonald's sur une table garnie d'une nappe Ikea, ainsi que d'autres références de la culture contemporaine qui nous sont très familières, comme le Nutella, la compagnie aérienne low-cost EasyJet et le Coca-Cola.
L'artiste a étudié la composition de son œuvre avec l'aide de Mario Taddei, l'un des plus grands experts internationaux de l'œuvre de Vinci. Tomoko a décidé de conserver la composition originale, les couleurs délavées et tous les objets de la fresque tout en enrichissant la composition de divers symboles et références à la société contemporaine.
Au fil du temps, l’indétrônable Vierge Marie commence progressivement à laisser la place à d’autres représentations.
La couleur verte, symbole de la nature et de la vie, a occupé une place prépondérante dans l'histoire de l'art. Depuis les premières œuvres des artistes préhistoriques jusqu'aux créations contemporaines, le vert a été utilisé pour évoquer une multitude d'émotions et de concepts.
Cet article explore la signification du vert, ses techniques d'application, ainsi que son évolution à travers les âges.
Symbolisme du Vert
Le vert est souvent associé à la croissance, à la fertilité et à la tranquillité.
Dans de nombreuses cultures, il représente l'espoir et le renouveau. Par exemple, dans le christianisme, le vert est lié à la résurrection.
Dans la peinture, le vert peut également symboliser des thèmes plus sombres, comme la jalousie ou l'envie, illustrant ainsi sa dualité.
L'Histoire du Vert dans la Peinture :
Au cours des siècles, le vert a été utilisé de différentes manières. Dans l'Antiquité, les artistes utilisaient des pigments naturels tels que la malachite et le vert émeraude. Au Moyen Âge, le vert était souvent associé à la royauté et à la richesse, notamment dans les vêtements des saints et des nobles.
Avec la Renaissance, l'utilisation du vert s'est diversifiée. Des artistes comme Léonard de Vinci et Raphaël ont intégré des nuances de vert pour créer des paysages réalistes et des portraits vibrants. Le vert de viridian, un pigment synthétique, a été développé au XIXe siècle, offrant aux artistes une nouvelle palette de nuances.
Les techniques de glacis, où des couches transparentes de peinture sont appliquées sur des couches sèches, permettent de créer des effets de profondeur et de luminosité. Les artistes impressionnistes, comme Claude Monet, ont utilisé le vert pour capturer la lumière et la couleur des paysages, en appliquant des touches de couleur juxtaposées pour créer du mouvement et de la vie.
Conclusion
La couleur verte dans la peinture est bien plus qu'un simple choix esthétique. Elle véhicule des significations profondes et a évolué au fil des siècles, reflétant les changements culturels et artistiques. Que ce soit pour représenter la beauté de la nature ou pour évoquer des émotions complexes, le vert continue d'inspirer les artistes du monde entier. En explorant cette couleur, nous découvrons non seulement sa richesse visuelle, mais aussi son impact émotionnel et symbolique dans l'art.
K.MCMXIX
Au Centre Pompidou a ouvert le 4 septembre une exposition-événement réunissant 500 œuvres qui retracent plus de quarante années d’une exceptionnelle effervescence créative autour du surréalisme.
Exposition au musée de l'IMA , du 28 février 2024 - 10 Novembre 2024
L'exposition « Bagdad : redécouvrir Madinat al-Salam, avec Assassin's Creed Mirage » met en lumière une période historique captivante, une zone géographique essentielle et une civilisation brillante.
Grâce à de nombreux objets d’époque abbasside mis en scène dans les décors imaginés par les équipes d’Assassin’s Creed Mirage, le dernier-né de la série de jeux vidéo d'Ubisoft, elle donne à voir la splendeur d'une ville-monde en plein âge d'or.
En partenariat avec Ubisoft
Featuring over 200 exceptional pieces, Pan Tianshou’s ‘Scholar under Pine Tree’ is a leading highlight of the Fine Chinese Modern and Contemporary Ink Paintings sale, followed by a selection of important early works by Zhang Daqian.
Fine Chinese Classical Paintings and Calligraphy includes an array of 94 renowned paintings and calligraphy works with impeccable provenance, spanning from the 8th to the 19th centuries.
Le surréalisme à Pompidou, Matisse chez Beyeler, le jeune Pollock au Musée Picasso, Caillebotte à Orsay, La figure du fou au Louvre…
La rentrée artistique d'automne est riche en rendez-vous majeurs. Petit tour d'horizon.
Des grands mouvements de l'art (le surréalisme) aux grandes thématiques (l'âge atomique, la figure du fou au Moyen-Âge puis à la Renaissance), des stars de la peinture (Matisse, Caillebotte, Pollock) aux (re) découvertes (Tarsila do Amaral), la rentrée artistique se décline en sept expositions incontournables.
Née à Beyrouth, au Liban, et a vécu principalement au Moyen-Orient et en Europe avant de s'installer aux États-Unis pour étudier l'art à l'université de Syracuse, où elle a obtenu une licence en beaux-arts à l'école des arts visuels et du spectacle. Zughaib vit actuellement à Washington, DC et travaille à plein temps en tant qu'artiste.
La gouache et l'encre sur carton et toile sont ses principales techniques de peinture, mais elle a également travaillé avec des installations en bois, des chaussures et des tissus, et des techniques mixtes.
En tant qu'Arabe américaine, Zughaib estime que son expérience au Moyen-Orient lui permet d'aborder ses expériences aux États-Unis d'une manière unique, en étant une observatrice des cultures arabe et américaine.
Elle est membre de la peinture féminine de Saudia at Art Group. Son travail est autodidacte, mais elle a suivi quelques cours avec un président du Chelsea Art Club à Londres.
Ses toiles sont caractérisées par des natures mortes colorées, des paysages, des personnages et des bijoux qui montrent beaucoup de l'Arabie saoudite, sans ignorer sa connaissance du monde.
Il illustre également avec de la peinture à l'huile ou à l'acrylique, en mettant l'accent sur la couleur et le poids de la marque qui introduit une perspective fraîche et énergique dans la peinture.
Jean Auguste Ingres, figure emblématique du néoclassicisme, a marqué l'histoire de l'art par son dévouement à la beauté idéale et à la perfection technique.
Voici un florilège de ses œuvres et de ses contributions majeures :
"La Grande Odalisque" (1814) - Un chef-d'œuvre de sensualité et de finesse.
"Le Bain turc" (1862) - Une autre démonstration de son talent pour la sensualité et l'exotisme.
"Le Portrait de Madame Rivière" (1806) - Un portrait remarquable.
"Le Vœu de Louis XIII" (1824) - Une œuvre qui montre son habileté dans la composition et le rendu des détails historiques.
"Oedipe et le Sphinx" (1808) - Cette peinture dépeint le moment dramatique du mythe grec avec une précision rigoureuse et un sens de la grandeur théâtrale.
"La Source" (1856) - Un tableau emblématique qui célèbre la pureté et la grâce de la figure féminine.
"L'Apothéose d'Homère" (1827) - Une fresque qui démontre l'influence de la tradition classique sur le travail d'Ingres.
Les œuvres d'Ingres témoignent de son engagement envers une vision idéalisée de la beauté et du classicisme, tout en explorant des thèmes de sensualité et de mystère.